Человеку, имя которого Берри Горди (Berry Gordy) уже давно за 80 лет. В общем и целом, за свою жизнь он достиг того, чего можно лишь желать, и даже больше того — он смог купить собственный дом престарелых, дабы к концу своей жизни все тоже шло по высшему уровню. Опубликованное не столь давно желание Берри Горди отобразить его биографию в виде мюзикла, видимо, из разряда не самых обязательных, потому как если бы для него это было целью, оно уже было бы сделано. Может, 10 лет, может и 20, а то и все 30 лет назад — даже в то время эта постановка вполне себя бы оправдана. Ведь уже в начале 1970-ых про организованную Берри Горди компанию Motown было известно, что записанные ею музыкальные ценности станут вечными, и даже уже тогда начинавшийся её закат никак не скажется на репутации компании.

Берри Горди изначально был простым эстрадным продюсером — его, как будто совсем не интересовали творческие успехи или, уже ставшее заметным ещё в 1959-ом — год появления лейбла Motown на свет, массовое стремление популярных артистов повлиять на окружающий их мир. Впрочем, это полностью нормальная точка зрения — ни Том Паркер по прозвищу «Полковник», создавший суперзвезду Элвиса Пресли, ни Брайен Эпстайн, без которого «The Beatles» бы не стали той Великой Четвёркой — никто из тех продюсеров, создавших громкие имена никакой цели поменять мир не имели; они были заинтересованы только в коммерческом успехе, а все остальное было лишь сопутствующим продуктом рутинной работы продюсера.

Внешне Motown Records  казалась самой циничной музыкальной компанией. Ко времени наивысшего пика своего успеха она была настоящей фабрикой звезд с конвейерным производством музыки и беспощадным отношением к любому производственному браку. На этой фабрике был один аккомпанирующий коллектив, внутри называвшийся «The Funk Brothers«, одна группа авторов — гениальное трио Холланд-Дозье-Холланд. Вся эта команда работала в Дейтройте, в доме, прозванном Хитсвиллем (Hitsville). Продукция предлагалась к исполнению разным симпатичным лейблу артистам, часть результатов работ с которыми, вскоре тут же отправлялась в творческое небытие, в то время как другая часть сиюминутно становилась буквально в иконами.

Это Марвин Гэй (Marvin Gaye) (по слухам, Берри Горди предложил ему контракт с Motown, случайно услышав, как Марвин поет в обычном детройтском баре) — исполнитель лучших любовных песен, человек, которого чтят поклонники любого направления музыки. Это Дайана Росс — важнейший секс-символ 1970-ых годов, первая и одна из главных звезд диско музыки, одна из самых коммерчески успешных певиц в истории музыки. Это Стиви Уандер — гениальнейший исполнитель и композитор, создавший новые стандарты для работы с ритмом и мелодией, действующие и в современной музыке. Собственно говоря, и Майкл Джексон, самая величайшая звезда в истории поп-музыки, также взошёл на музыкальный Олимп благодаря Берри Горди, подписавшему в 1968 году контракт с семейным коллективом Jackson 5, из которой затем Майкла Джексона забрал Квинси Джонс и уже сделал звездой невиданного до того момента масштаба. Символично, что чуть ли не самое важное выступление Майкла Джексона состоялось на телешоу, посвященном 25-летнему юбилею компании Motown — именно тогда он впервые и вышел к публике в расшитом блестками мундире, шляпе, перчатках для гольфа и впервые (!!!) прошелся своей коронной лунной походкой под «Billie Jean».

В истории лейбла Motown, если проанализировать, не было ничего такого, чего бы не было в то время у любого другого звукозаписывающего лейбла. Были музыкальные лейблы, определявшие лицо стиля — Chess Records для блюз-музыки или исконно джазовый Blue Note. В рассвете soul-музыки, который пришёл на конец 1960-х годов, определяющую роль играл не только лейбл Motown, но и, к примеру, Stax Records с Отисом Реддингом (Otis Redding) и Айзеком Хейсом (Isaac Hayes) в своей обойме. Почему же именно Motown стал таким важным, в общем, понятно. На время рассвета лейбла в обществе была нужна именно та музыка, которую лейбл и записывал. Соединённые Штаты праздновали победу над сегрегацией, и новая «черная» музыка уже не могла быть музыкой протеста — надо было начинать просто радоваться жизни в условиях новой свободы, записывать песни о том, как хорошо любить друг друга, уже безо какого-либо социального подтекста. И Motown стала поставщиком именно этой музыки. Как говорил Смоки Робинсон, еще одна яркая звезда лейбла и на протяжении многих лет вице-президент компании: «Все барьеры были сметены, публика объединилась, и все ребята держали друг друга за руки».

Жёсткий  перфекционизм и поставленное конвейерное производство дали миру тот уникальный «мотаунский» звук. Он пусть и не долго был в моде, порядка семи лет, но так уж вышло, что именно в эти годы и именно с таким звуком была выпущена вся основополагающая соул-классика двадцатого века.

На протяжении двух лет, в период с 1972 по 1973 годы, на Motown было выпущено 4 гениальных альбома, выше которых, по сути дела, черная музыка уже не поднялась — «Let’s Get It On» и «What’s Goin’ On» Марвина Гэя и «Innervision» и «Talking Book» Стиви Уандера (Stevie Wonder). Позднее лейбл, хоть и продолжал поставлять миру новых звезд (от Лайонела Ричи до Boyz II Men), но уже был лишь собственной тенью. В 1986 году господин Горди продал компанию и отошел от дел. В отличии же от своего детища, он сам по себе остался в истории  музыкального бизнеса героем неоднозначным, даже больше отрицательным. И людей мучил, ломал и творчество и судьбы, и альбомы выпускал иной раз плохие в расчете на быстрые прибыли. Чего стоит одна только история Марвина Гэя — он женился на сестре Горди, а потом судебные разборки с Motown из-за авторских прав подействовали на нервы певца так жестоко, что в конце концов его застрелил собственный отец, когда пьяный сын в очередной раз набросился на него с кулаками. То есть Motown, в общем-то, на самом деле очень стильный сюжет для мюзикла, с элементами драмы, и интриги, с сопутствующей любовью, и смертью. Но такое про себя Берри Горди, конечно же, не поставит, об этом уже заявлено — есть цель очистить имя от всех слухов, поведать о том, как все было чисто и красиво, дружно и наивно, во время борьбы за права человека. Забавно, что вместе с распространением анонсов будущего мюзикла, в который раз опровергаются слухи о том, что создатель Motown пресекает любые попытки что-то снять или поставить о жизни Марвина Гэя. «Берри Горди ничего не слышал о попытках такого рода»,— ответственно сообщают его представители. Да и, действительно,  какая фабрика звезд примирится с правдой о себе?

Артур (Арт) Блэ́йки

Биография

Карьеру музыканта Арт Блэйки чтобы содержать семью начал в 15 лет в роли пианиста, хоть и был обучен игре на фортепиано непрофессионально (брал частные уроки репетитора). Позднее пересел за барабанную установку, так как хозяин заведения, в котором работал Блэйки, принял на работу нового пианиста, а место ударника оставалось вакантным. Игре на ударных музыкант обучился самостоятельно, под влиянием известного в 30-е годы Чика Уэбба.

В 1939-м году вошёл в состав оркестра Флетчера Хендерсона (Fletcher Henderson), где играл в стиле свинг. Там же и был отмечен пианисткой Мери Лу Уильямс (Mary Lou Williams), и в 1940-м году принял приглашение перейти в её ансамбль. В 1944-м году он уже возглавил свой собственный коллектив в Бостоне, когда ему позвонил Билли Экстайн (Billy Eckstine), и для Арта Блэйки наступил, по его собственному признанию, самый важный этап его музыкального развития — три года работы в биг-бэнде Экстайна. Этот феноменальный оркестр был первым из больших ансамблей, исполнявшим музыку в стиле бибоп, объединив по настоящему выдающихся музыкантов. Арт попал в число новаторов бибопа, таких как Диззи Гиллеспи (Dizzy Gillespy), Чарли Паркер (Charlie Parker), Майлз Дэвис (Miles Davis) и многие другие.

После того, как Билли Экстайн в 1947 году расформировал свой оркестр, Блэйки собрал свой оркестр под названием «Seventeen Messengers», позже переименовавшийся в «Jazz Messengers» — и ставший воистину легендарным в истории джаз-музыки. В это же время он принимает участие в исторических записях на пластинку пианиста-композитора Телониуса Монка. Бытует мнение, что Арт был одним из тех немногих барабанщиков, так легко вживавшихся в музыку Монка, с которым они не только сработались, но и стали хорошими друзьями.

Следующий год Блэйки проводит в Африке, где принимает ислам и меняет имя на арабское Abdullah ibn Buhaina. Отсюда и берёт начало его прозвище «Bu».

После возвращения в Штаты Арт записывается вместе с Майлзом Дэвисом, Клиффордом Брауном (Clifford Brown), Чарли Паркером  и Хорасом Силвером. Сотрудничество с Силвером продолжалось в течении нескольких лет и принесло сильное развитие направлению фанки-джаз. Возрожденные с помощью Хораса Силвера «Jazz Messengers» стали отличным плацдармом для молодых талантливых музыкантов того времени. У Арта Блэйки было превосходное чутьё на молодых талантов. Он сам находил новичков, помогал им расти и шлифовать своё мастерство, а когда они вырастали настолько, чтобы продолжать свою карьеру самостятельно, он находил новых. За годы существования ансамбля в нем играли Бенни Голсон (Benny Golson), Фредди Хаббард (Freddie Hubbard), Бобби Тиммонс (Bobby Timmons), Уэйн Шортер (Wayne Shorter), Джонни Гриффин (Johnny Griffin), Джеки МакЛин (Jackie McLean),  Дональд Бёрд (Donald Byrd), Джоан Брекин (Joanne Brackeen), Билли Харпер (Billy Harper), Кёртис Фуллер (Curtis Fuller), Билл Пирс (Bill Pierce), Седар Уолтон (Cedar Walton), Брэнфорд Марсалис (Branford Marsalis), Уинтон Марсалис (Winton Marsalis), Кит Джарретт (Keith Jarrett), Чак Манжони (Chuck Mangione), Ли Морган (Lee Morgan), Хэнк Мобли (Hank Mobley), Джими Мерритт (Jymie Merritt), Джон Гилмор (John Gilmore), Вуди Шоу (Woodie Shaw), Джеймс Уильямс (James Williams), Гэри Бартц (Gary Bartz), Джофф Кизер (Geoff Keezer), трубач Валерий Пономарёв и многие другие.

Расставшись с Силвером, Арт Блэйки оставался лидером собственного ансамбля до конца своих дней и до самых поздних лет поддерживал напряжённый график гастролей «Jazz Messengers», и, кроме этого, ещё и принял участие в мировом турне «Giants of Jazz» (с Диззи Гиллеспи и Телониусом Монком), а также часто сольно выступал на «Newport Jazz Festival» в Нью-Йорке (особенно незабываемым стало в 1974 году его выступление в «битве на барабанах» с участием Бадди Рича (Buddy Rich), Макса Роуча (Max Roach), и ЭлвинаДжонса (Elvin Jones).

Последние годы жизни Арт играл глухим, используя слуховой аппарат. Арт Блейки  был настоящим посланцем джаза ( слово «messеnger» и означает «посланник»). Его гастроли по всем странам мира способствовали зарождению и дальнейшему развитию этого вида музыки в самых отдаленных уголках планеты. В частности, в Японии, после гастролей «Jazz Messengers» джаз сразу же получил  широкое признание, следствием чего стало открытие филиалов известного Нью-Йоркского джаз-клуба «Blue Note» в Японии. Влияние музыки его ансамбля не могли не испытать и многие ведущие джазмены России. Один из наших соотечественников, уже упоминавшийся выше трубач Валерий Пономарев, перебравшийся в США в 1973 году, играл в составе «Jazz Messengers» в период с 1977 по 1979 год. Позднее его сменил там Уинтон Марсалис (Winton Marsalis).
Скончался Арт Блейки 16 октября 1990-го года в госпитале св. Винсента в Нью-Йорке, причиной смерти стал рак легких.

Имя для этой группы было сочинено после очередного мозгового штурма, которые периодически устраивались Марком Фарнером, Терри Найтом, Доном Бревером и Мелом Шачером. У Терри Найта была композиция «The Grand Funk Railroad», название которой пародировало название железнодорожной линии «The Grand Trunk Western Railroad», проходящей через город на промышленную зону. Терри же поменял слово «Trunk» на «Funk» — указывая на стиль, играемый будущей группой. Название оказалось более чем удачным и даже обладало особым звучанием. Позже, для краткости, слово «Railroad» стали опускать. Так, что группу часто называют просто и весьма скромно — «Grand Funk« .

Первое выступление коллектива «Grand Funk» прошло в марте 1969 года в г. Буффало, штата Нью Йорк. Это был бесплатный концерт под крышей ангара в местном аэропорту. Терри Найт видел этот концерт как обкатку новой команды…
“Это был удручающий провал, — вспоминал потом Найт. – Публика показала такое безразличие, что мы немедленно стали менять поведение группы на сцене.” Этот первый концерт позволил ребятам понять, что нужно делать, чтобы завести публику. Теперь почти что всё было готово для успеха.

Терри взял кредит в 500 долларов на аренду студии для записи демо пленки. Затем Grand Funk арендовал фургон, на котором команда поехала в штат Джорджия, на поп-фестиваль, проводившийся в Атланте. Их первое же выступление на этом фестивале привело толпу из примерно 180,000 человек в неописуемый восторг, в результате чего коллективу пришлось выступить ещё раз и в следующие два дня. Молодые музыканты и сами не ожидали такого триумфа, но локомотив под названием Grand Funk Railroad взял старт и вряд ли что-то уже могло его остановить. Слухи о новой супергруппе начали расходиться по Америке, привлекая толпы фанатов рок’н’ролла на другие фестивали. Феномен группы заключался в том, что это был коллектив, состоящий из практически никому неизвестных музыкантов — свою популярность они завоевали несмотря ни на какие противодействия критиков и опытных деятелей шоу-бизнеса. Получилась поистине народная команда, снискавшая свой успех одними лишь выступлениями на рок фестивалях.

Фирма звукозаписи, на которой выходили альбомы группы The Pack, в свое время была поглощена компанией Capitol Records. В результате чего новая группа автоматически оказалась под крылом этой компании. Заметив ошеломляющий успех новичков, представители Capitol поспешили заключить контракт с Grand Funk Railroad и побыстрее выпустить первую пластинку, пока интерес многочисленной публики не ослаб (ведь все считали успех группы временным, достигнутым лишь благодаря маркетиговым трюкам Терри). И первый диск под названием «On Time», был записан всего за три дня и оказался на прилавках музыкальных магазинов в августе 1969 года. В него вошли песни уже имевшие успех на фестивале в Атланте. После прослушивания, многие критики со злорадством заметили, что композиции группы слишком примитивны. Но и тут они сильно заблуждались.

Аналогичное впечатление может сложиться лишь у тех, кто слушал до этого Beatles или Led Zeppelin. Музыка может показаться простой, монотонной и примитивной. Но позже у этой музыки обнаруживается интересное свойство очаровывать слушателя и не отпускать его, заставляя прослушивать эту пластинку вновь и вновь. Критики, привыкшие раскладывать игру музыкантов на составные части и затем чисто умозрительно их анализировать, оказались неспособны понять реальные причины успеха Grand Funk Railroad. Они пытались придумывать разнообразные теории на этот счёт, главная из которых говорит примерно о том, что секрет успеха Grand Funk — это всего лишь результат грамотных рекламных ходов и предрекает скорый закат группы.

А тем временем, в конце 1969 г. оставшиеся песни выпускаются в виде второй пластинки, которая получает название просто «Grand Funk». Из за его оформления, многие этот альбом также называют Red Album – Красный альбом. Этот диск вызвал особый восторг у молодых слушателей своим бескомпромиссным тяжелым роком на блюзовой основе. В американских хип-парадах альбом взбирается на одиннадцатое место. Большинство поклонников узнали о Grand Funk именно из этого альбома и только после него обратили внимание на On Time. Через полгода (6 июля 1970-го) он становится «золотым», а в октябре того же года «золотым» становится и альбом «On Time«.

В 1969 году GFR заявлены как разогревающий коллектив на концерте Led Zeppelin на стадионе Олимпия в Детройте. Публика просто не хочет отпускать команду после выступления, и менеджер Led Zeppelin Грант вынужден просто выключить аппаратуру у GFR. Терри позже вспоминал что Грант, бывший борец, ростом на голову выше чем Терри, схватил его за шкирку, приподнял над землей и глядя прямо в глаза медленно процедил — «немедленно убирай свою группу со сцены, я сказал — немедленно!» Однако все кончается просто невообразимо — зрители уходят из зала во время выступления Led Zeppelin и к концу своего шоу они выступают перед опустевшим наполовину залом. Те кто был на этом концерте говорят, что после игры Фарнера и мощи Grand Funk, Led Zeppelin оставляли впечатление довольно посредственной группы.

Терри часто критиковали за то, что он рекламирует Grand Funk как товар. Сейчас такой подход является общепринятым, но тогда это выглядело необычно, рок музыка скорее была богемной, нежели коммерцией.
Пример бизнес-подхода Терри — так как радиостанции отказывались включать песни коллектива в ротацию, Терри просто выкупал рекламное время. В 1970 году он даже сумел убедить Capitol арендовать самый большой рекламный щит в мире на Time’s Square в Нью Йорке для рекламы GFR. Все это стоило Capitol $100,000. И даже здесь группе сопутствовала удача — из-за забастовки обслуживающего персонала, гигантский баннер висел около трех месяцев, вместо арендованного одного. Уже после этого практически все США (да и не только) знали Grand Funk в лицо. Такого рода реклама была обычной в тех местах, где предстояло выступление Grand Funk RailRoad.

Словно отвечая на все выпады критиков о примитивности их музыки, в 1970 г. GFR записывает уже менее тяжелую и, при этом, более технически совершенную пластинку «Closer To Home», заглавная песня с которого посвящена молодым парням воюющим во Вьетнаме и грезящих о возвращении в родной дом. Плакат на Time’s Square как раз и был создан для раскрутки этой пластинки. Свои первые диски Grand Funk писали без каких-либо ухищрений и исправлений, т.е. как получилось, с первого раза. Это хорошо экономило деньги, но при этом позволяло добиться некоего «живого» звучания на ранних пластинках. Вот в таком смысле Closer To Home и оказался более совершенным — над ним намного больше поработали в студии. Итог не разочаровал — пластинка добралась до шестого места в чартах США и немедленно стала золотой.

Следующий, первый двойной концертный альбом «Live Album» записан на рок фестивале в Атланте в 1970 г. У поклонников команды этот диск ценится за то, что в нём сохранена та неповторимая атмосфера, что всегда царила на концертах Grand Funk. Альбом занял пятое место в хит-парадах. За 1970 г. группа Grand Funk Railroad продала пластинок больше, чем любой другой музыкант или коллектив.

Популярность команды продолжала быстро расти. Билеты на выступления распродаются с невиданной ранее скоростью. К примеру, 43 тысячи билетов на два их концерта в Madison Square Garden в Нью Йорке были раскуплены всего за каких-то два часа ! В Детройте 12,000 билетов были распроданы за те же два часа, а те, поклонники GFR, кому не удалось успеть приобрести билет устроили беспорядки. В 1971 г. билеты на концертное шоу группы на стадионе Shea Stadium, вмещающем 50,000 зрителей, продаются за трое суток, что побило рекорд установленный ранее самой группой The Beatles (которым потребовалось для этого неделя)!!!
Фанаты приходили занимать очередь поздним вечером, чтобы провести ночь у кассы и приобрести билет сразу же после её открытия утром. Стали поговаривать о том, что Grand Funk побили все рекорды популярности, принадлежавшие до этого The Beatles.

В 1971 г. группа записывает Survival — пластинка, которая в первый же день продаж была распродана в количестве более 1,000,000 копий, то есть, стала «золотой» в первый же день выхода на прилавки! Диск отличался от остальных более спокойной и рафинированной музыкой и более профессиональной студийной работой. Тексты и смысл песен приобрели большую глубину.

В ноябре этого же года была выпущена «E Pluribus Funk» ( «Фанк для всех», перевод с латинского), с конвертом, имевщим форму серебряной монеты с профилями музыкантов. Это уже оказался типично тяжелый рок, однако в нем затрагивались серьёзные социально значимые темы, такие как война во Вьетнаме, экология, перенаселение и тому подобные. Игра Мела на бас-гитаре достигла нового звучания и новых высот. И этот альбом уже вскоре стал золотым и продержался в чартах 30 недель.

Grand Funk Railroad отправляется в турне по Европе, завоевывать новых поклонников. Тур начинается бесплатным концертом в лондонском Хайд-парке, на который пришло 100 тысяч зрителей. Шоу проходят также в Германии и Италии. Билеты раскупаются ещё задолго до приезда команды ( например 40,000 мест на стадионе в Милане). В Мюнхене даже начинаются беспорядки, когда руководство города вдруг решает отменить концерт. Европейские музыкальные критики, разумеется, отзываются о GFR с нескрываемым сарказмом. Однако, это еще больше подогревает интерес молодежи к группе.

В 1972 году альбом «E Pluribus Funk» достигает пятого место в чартах. Но в этот период времени начинают происходить неприятные события. Марк, Мел и Дон решают разорвать свои отношения с Терри и взять в качестве советника Джона Истмана (John Eastman) – шурина Пола Маккартни, а в качестве менеджера Andy Cavaliere.  Сейчас, конечно, трудно выяснить, что именно оказалось  причиной того конфликта.  Кто-то думает, что музыканты устали от бесконечной критики и они были недовольны методами работы Терри, другие же, включая Дона, Мела и Марка, думают, что Терри  под различными предлогами забирал практически все заработанные деньги себе, то есть, проще говоря, мошенничал.

«Мы были наивными юнцами и он делал с нами все что хотел, он имел все, а мы – ничего», — делился потом своими мыслями Дон. Судебные тяжбы шли большую часть 1972 и 1973 годов, в результате чего музыканты всё это время не могли полностью приступить к работе. Ко всему прочему, Терри претендовал даже на название группы. Таким образом, в случае победы Терри группе светила ещё и смена названия. Чтобы выполнить оставшиеся обязательства перед лейблом «Capitol» (по условиям контрактас Терри они должны были выпустить еще две пластинки) в апреле 1972 года Grand Funk Railroad выпускает двойную пластинку лучших хитов «Mark, Don & Mel», которая уже через два месяца становится золотой.

После окончательного разрыва с Терри Найтом к команде присоединился органист Craig Frost, который до этого уже играл с Марком и Доном в коллективе The Fabulous Pack. Как объяснил Марк, органист был нужен для создания более совершенного, “наполненного” звука. Многие музыкальные критики и обозреватили поторопились «похоронить» группу, считая, что без Терри им ничего не светит и GFR пришлось начинать свой путь почти с самого сначала — вновь доказывать свою состоятельность. В результате, следующий альбом, который они выпустили в конце 1972 года, был символино назван «Phoenix» — группа словно бы возрождалась из пепла. В этой пластинке группа приобрела действительно новое, несколько необычное, более полное звучание благодаря наличию органа и игре в некоторых композициях Doug’a Kershaw на элетроскрипке.

В поддержку диска группа начала своё турне из 40 концертов. Первое из выступлений состоялось в октябре 1972 года в Сиэттле. Новый стиль поведения команды на сцене и в музыке вызвал некоторое недоумение у зрителей, успевших стать несколько старше и сидевших тихо и спокойно, смотря этот спектакль и пытаясь понять, что же они нашли в этой группе. На втором же концерте, в том же зале, зрительский зал постепенно раскачивается, и, когда концерт достигает кульминации после исполнения песен «Closer to Home» и «Rock ‘n’ Roll Soul», рукоплещет музыкантам стоя  и просит ее на бис.

Группа воистину возрождается из пепла, с каждым концертом возвращая свою популярность  невиданными темпами. Пластинка «Phoenix» выходит на седьмое место в хит-парадах и, как и все предыдущие, через месяц становится золотой. Она стала переломной в музыке Grand Funk Railroad. Команда приобретает звук более коммерческого характера. Конечно, как и полагается, многие связывают с этим альбомом начало упадка группы, ввиду её большей направленности на коммерческий звук. Однако, все же стоит учитывать, что времена поменялись и группа просто хотела  соответствовать времени, что у неё успешно получалось. Да и, в конце концов, ничто не вечно. То, что диск был хорошо принят и новыми слушателями и старыми поклонниками, дало уверенность группе в том, что они могут вполне успешно работать и без Терри (основания для страха были, достаточно вспомнить провал The Fabuluos Pack).

Однако,  разрыв с Терри Найтом, не оставал без последствий для группы. Терри утверждал, что коллектив осталась должен ему ни много ни мало миллион долларов, и постоянно всячески препятствовал работе. Он требует аппаратуру в качестве материальной компенсации, судится с телекомпанией, собиравшейся снять выступление GFR, и даже делает попытки сорвать рождественский концерт в 1972 году в Madison Square Garden, вся выручка с которого должна была пойти на благотворительную помощь реабилитационному центру для наркоманов Phoenix House (который, кстати, и дал название альбому). Днем, во время репетиции, он ворвался в зал вместе с помощником шерифа и требует немедленно вернуть аппаратуру назад, ссылаясь на решение суда. На что Донни ему ответил: » Разумеется! Но я предупреждаю, что если ты прикоснешься к моей ударной установке, я собираюсь реквизировать твою гребанную голову». Дону тут же были зачитаны его права и его предупредили, что если он будет продолжать общение в том же духе, его арестуют. В итоге адвокаты договорились, что команде будет позволено выступить, а аппаратура будет арестована после мероприятия. Просто все, в том числе и шериф, боялись многочисленных беспорядков в случае отмены концерта. Такая выходка Терри была в истории рок-музыки беспрецедентной. В апреле следующего года Grand Funk Railroad опять выступает в этом же зале, собрав 20 тысяч аплодирующих поклонников, которые, забравшись на кресла, приветствуют свою любимую группу.

Следующий релиз — «We’re An American Band», стал одним из самых известных. Он был упакован в конверт золотистого цвета и первое его  издание имело пластинку сделанную из такого же цвета винила, как напоминание о беспрецедентной в истории рока серии золотых релизов. И, разумеется, альбом стал еще одним золотым для группы и достиг второго места в чартах. Don Brewer принял очень активное учатие в написании песен и его голос (не говоря уже о мощных ударных партиях) превалирует в них. Заглавная песня с этой пластинки ставшая, наверное, самой известной песней группы и первой из композиций коллектива, возглавившей хит парад, стала настоящим гимном группы, а за самой группой закрепилось прозвище «The American Band». Лого «The Pointing Finger» (рисунок наверху страницы) с обложки пластинки становится эмблемой GFR. Критики, ранее жёстко критиковавшие Grand Funk Railroad, отныне стали отмечать заметно повзрослевший профессионализм, отличную аппаратуру и звучание, а также повысившееся качество песен. Справедливости ради отметим, что команда, вообще-то, профессиональна играла всегда, как никакая другая рок-группа, просто новый образ как на сцене и в самой музыке, сделал их творчество более приемлем и доступным для понимания критиков.

Это было время апофеоза Grand Funk Railroad, высшая точка в популярности. »Во мне была вера, — рассказывал Марк Фарнер, вспоминая обо всех трудностях, с которыми пришлось столкнуться команде. — Это нечто, что вело меня по жизни… Когда я только начинал играть, мне всего лишь хотелось выпить пару бутылок пива и играть ГРОМКО. Через свои песни я выражал то, что хотели выразить окружающие, но не могли. А я, играя громко, делал это. И когда мы добились успеха, это была мечта, воплощенная нами в реальность.»

Группа, поначалу отталкивавшая своим обликом и музыкой музыкальный истеблишмент, в реальности оказалась одной из самых добропорядочных в рок-мире, наставлявшей на простые жизненные ценности и так называемую американскую мечту.

В начале 1974 г. в течение всего лишь часа был записан сингл «The Locomotion», который становится вторым хитом группы, вышедшим на первое место в национальном хит-параде. Продюсером этого сингла, как и предыдущего альбома, стал Todd Rundgren. Он же был продюсером альбома «Shinin’ On», который был издан в марте и добравшийся до пятого места. Конверт пластинки обладал уникальным в своем роде дизайном — был оформлен в психоделическом стиле и к нему прилагались специальные очки, позволявшие видеть трехмерное изображение музыкантов. Как и все изданные до этого пластинки, «Shinin’ On» стала золотой.

В этом же году выпускается «All The Girls In The World Beware!!!». Jimmy Lenner, будучи продюсером альбома, делает сильный крен в сторону поп-музыки, что оттолкнуло многих давних поклонников группы. Однако, альбом по инерции также становится золотым, а сингл «Some Kind of Wonderful» оказывается на третьем месте чартов.

Увы, это был последний золотой альбом группы. Большинство поклонников не простили экспериментов группы с поп музыкой. Позднее все золотые альбомы группы становятся платиновыми.

У Grand Funk Railroad все время было много гастролей. В 1974 году все билеты на концерты группы в США, Европе и Японии быстро распродавались полностью. В августе 1975 года выпускается двойной концертный альбом «Caught In The Act». Этот релиз продемонстрировал всю мощь живого звука группы, это есть одна из лучших концертных пластинок одной из лучших концертных рок-групп. Однако, поскольку предыдущий альбом оттолкнул многих фанатов, новый концертный альбом, несмотря на все его достоинства, не был продан в ожидаемом объеме и стал первым релизом группы не ставшим золотым. Было очевидно, что популярность группы наала падать.

Понимая всё это, лейбл Capitol старается закончить свои отношения с GFR, а ребята, также успевшие подустать за это время от такого музыкального марафона ( 12 альбомов за какие-то 5 лет!), хотят взять творческий отпуск и по новой обдумать все свои творческие планы. Однако, по контракту требовалось записать еще один альбом. В итоге, искушённым взглядом хорошо заметно, что следующий альбом «Born To Die» был создан без особого энтузиазма, лишь бы завершить отношения с Capitol, компанией на которой были выпущены и все предыдущие пластинки. Многозначительный дизайн альбома, на конверте которого были изображены музыканты, лежавщие в гробах, вызывал весьма неперспективные предчувствия у поклонников, что этот альбом мог стать последним. Он был написан в спокойной, не свойственной Grand Funk Railroad, манере, но имел свой особый шарм. Заглавная песня с этого альбома была посвящена кузену Марка,  который недавно погиб, катаясь на мотоцикле — в то время символе свободы в США. Проблема была в том, что Capitol уже перестал поддерживать коллектив и эта новая пластинка не была раскручена со стороны лейбла.

Прошёл слух, что коллектив распался. И на самом деле, на одной из репетиций Дон объявил, что он устал от такой жизни и не видит для себя дальнейших преспектив, и вообще, он собирается поступить учиться и приобрести какую-то специальность, чтобы в дальнейшем иметь более стабильный источник заработка.

Однако, музыканты решили сделать еще один рывок. Grand Funk трудно было удержать популярность в такое время, когда набирало силу течение диско-музыки. В поисках нового, более привлекательного стиля исполнения, GFR приглашает Frank’a Zappa cпродюссировать их новый альбом, записанный на собственной студии группы — The Swamp, в Parshallville, Michigan, и выпущенный компанией МСА Records. Он также имел многозначительное название -» Good Singin’, Good Playin’ «. Эта пластинка с самой, пожалуй, совершенной студийной работой и звуком (благодаря Фрэнку) считается у поклонников команды одной из лучших. Но времена уже поменялись, рок вышел из пика своей моды и диск так и не получил промоушена со стороны студии, да и сами GFR, будучи на грани своего распада не стали пытаться раскручивать его организацией концертного турне. В итоге альбом совершенно незаслуженно так и не полуил своего золота. После выпуска этого альбома Grand Funk Railroad решила уйти на пике своей славы.

В январе 1999 годы этот альбом был перевыпущен с полностью востановленным динамическим диапазоном и с прекрасным буклетом в виде CD компанией MCA records.

После распада, в 1976 году, Марк Фарнер организовал Mark Farner Band, выпустив песни, которые были им подготовлены для предполагаемого следующего, так и не записанного, альбома GFR. Другие же участники команды продолжили выступления под названием Flint. С годами у Фарнера начали усиливаться религиозные убеждения, которые чувствовались ещё во многих песнях GFR. В 1981 году Grand Funk с менеджером Andy Cavaliere сделали попытку вернуться, выпустив в июле по контракту с «Warner Brothers records» альбом «Grand Funk Lives!» (песня «Queen Bee» с этой пластинки считается одной из лучших у группы, она была включена в саундтрек к мультфильму «Heavy Metal», который был выпущен отдельным альбомом и стал золотым), а затем в январе 1983 ещё один альбом — «What’s Funk?», однако без большого успеха. Группа распалась вновь. Теперь уже надолго.

Мел поначалу принимал участие в репетициях альбома «Grand Funk Lives!», но вскоре ушёл из группы из-за многочисленных разногласий относительно менеджмента. По этому поводу Мел в одном из интервью рассказывал: «Менеджмент пытался нас вести в том направлении, в котором я идти не хотел. Я сказал — я не могу работать для менеджера, это он должен работать на меня, а он и слышать не хотел мое мнение. Я вас всех люблю ребята, но я так работать не могу».

Заменил Мела земляк Марка, Дона и Мела, участвовавший в сольных альбомах Марка Денис Берлингер. Пластинка «Grand Funk Lives!», несмотря на много благоприятных отзывов в прессе и от критиков, не вошел даже и в сотню лучших альбомов, а «What’s Funk?» вообще не вошел в чарты. Как считал Мел, причиной провала  воссоединения было его отсутствие в составе группы. Grand Funk Railroad- это Марк, Дон и Мел. И отсутствие хотя бы одной из этих составляющих нарушает всю магию группы. На самом же деле главной проблемой новых релизов было отсутствие новых музыкальных идей. После 1976 года и по сей день GFR не смогли продложить ничего такого, что вызвало бы интерес у публики.

И вот, по прошествии 13 лет, Grand Funk Railroad, к радости своих поклонников, объединились в 1996 году в первоначальный состав: Schacher, Farner, Brewer, дав своей первый объединительный концерт в Детройте и начав длительные гастроли по Америке, которые закончились лишь в ноябре 1998 года. В октябре 1997 года лейбл «Capitol» выпускает без какого-либо согласия и контракта с коллективом двойной концертный CD «Bosnia», восторженно принятый поклонниками группы. Этот диск был записан на концерте в Auburn Hills, MI в апреле 1997 года, вся прибыль от которого должна была отправиться в фонд помощи народу Боснии, и отличался необычайно хорошим звучанием, а игра музыкантов достигла верха своего мастерства. Однако голос Фарнера уже не тот, к которому привыкли слушатели в 70-е.

К сожалению поклонников, в конце 1998 года, так и не выпустив альбом с новыми песнями,  команда расходится снова. На этот раз поводом для распада были обвинения Фарнером своих коллег в разных грехах. На самом деле он к тому времени уже настолько увлекся религией, что ему было тяжело исполнять песни GFR, многие из которых, как минимум, нельзя было назвать религиозными. Кроме того, Дон считал, что он со своими религиозными причудами и проповедями заходит уже слишком далеко.

Все это рушит уже намечавшийся успех возрождения группы. Телеканал канал «VH-1″ выпускает передачу в серии «Behind The Music» посвященный Grand Funk Railroad. А пресловутый «Capitol» выпускает изящно оформленную антологию дисков к 30-ти летию группы. На трех компакт-дисках содержатся лучшие песни группы, а также ряд не издававшихся ранее и три новые песни, записанные в 1997 году.

На творчество Хораса оказали влияние различные музыкальные жанры — соул, африканская и латиноамериканская музыка, госпел. Сам музыкант внёс ощутимый вклад в развитие нескольких стилей джаз музыки.

В 1952 и 1953 годах он сделал ещё три записи со своим трио. Участие в записях принимали Арт Блэйки в качестве барабанщика, Перси Хит на басу, Джин Рейми и Кёрли Расселл. Сотрудничество барабанщика и пианиста шло 4 года, за это время Сильвер и Блэйки записали альбом «A Night at Birdland Vol. 1» в «Birdland» с Клиффордом Брауном, Расселлом и Лу Дональдсоном, в Bohemia с Хэнком Мобли и Кенни Дорэмом, а также в студиях. Сильвер также принял участие в записи «Walkin’» вместе с «All Stars» Майлза Дэвиса.

Композиции Хораса Сильвера заставляют обращать на себя внимание слушателей неожиданными сменами темпа и большим разнообразием мелодических решений. Манера игры Хораса легко могла изменяться от агрессивно-«перкуссионистской» до красочно-романтичной в течение нескольких тактов. Между тем, его остроумное использование повторов стало фанковым ещё до того момента, как это слово вообще стало корректным для употребления в приличном обществе.
Вместе с собственной работой Сильвера, в составе его коллективов нередко оказывались такие восходящие звёзды джаза, как, например, саксофонисты Хэнк Мобли и Джуниор Кук, трубач Блю Митчелл, барабанщик Луи Хейс. К его ключевым пластинкам этого периода следует отнести «Horace Silver Trio» (1953), «Horace Silver and the Jazz Messengers» (1955), «Six Pieces of Silver» (1956) и «Blowin’ the Blues Away» (1959), в который вошла его знаменитая музыкальная тема «Sister Sadie».

«Эта мелодия написана мной, но её привкус заставляет меня вспоминать времена детства. Некоторые члены семьи, включая отца и дядю, имели обыкновение играть в составах из трёх или четырёх струнных инструментов; отец играл на скрипке и гитаре. Это были счастливые, непринуждённые встречи»

Хорас Сильвер привнёс дополнительные португальские влияния в своё творчество после турне по Бразилии в феврале 1964 года. Относительно композиции «Song for My Father», музыкант сказал:

«Я очень впечатлён аутентичным битом босса-новы. Не просто монотонным тик-тик-тик, тик-тик, как это обычно делается, а настоящим чувством босса-новы, которое я попытался вплести в эту вещь»

В своей записи «Mexican Hip Dance», вышедшей на пластинке «The Jody Grind» (1966), также очевидны влияния и латиноамериканской музыки. Его раннее творчество включает в себя элементы буги-вуги и блюза. Нельзя не обратить внимание на влияния таких мастеров, как Арт Тейтум, Нат «Кинг» Коул, Тедди Уилсон и Телониус Монк — и этот этот список далеко не полон.
Сильвер Хорас любил цитировать других музыкантов и даже переигрывать знаменитые соло в своих оригинальных композициях — нечто вроде своеобразной дани великим именам.
Во время работы с Артом Блэйки он редко записывался в качестве лидера, но после того, как в 1956 году пути двух музыкантов разошлись, Хорас собрал свой хард-боповый квинтет — изначально, с составом, аналогичным «The Jazz Messengers», с 18-летним Луисом Хейсом вместо Арта Блэйки. В наиболее стабильный состав квинтета вошли Блю Митчелл и Джуниор Кук.
В 1963 г. Хорас Сильвер собирает новую команду с Джо Хендерсоном на тенор-саксофоне и Кармеллом Джонсом на трубе; этот квинтет записал одну из известнейших пластинок Сильвера — «Song For My Father». Когда Джонс покинул состав группы, чтобы переехать в Европу, его место занял Вудди Шоу, а Хендерсона заменил Тайрон Вашингтон.

Композиции Хораса Сильвера, цепляющие, и очень гармоничные, завоевывали всё большую популярность, в то время как коллектив мало-помалу переходил на соул и фанк музыку. Не все давние слушатели были готовы принимать эти перемены. Качество некоторых пластинок того времени, таких как «The United States of Mind» (на котором Сильвер сам исполнил вокальные партии в нескольких треках), до сих пор оспаривается поклонниками жанра. Одухотворённость музыканта, показанная на этих дисках, также достаточно спорная.
Но, как бы то ни было, на многих поздних альбомах отметились интересные музыканты (как, например, Рэнди Брекер). Сильвер был последним музыкантом, кто подписал контракт с лейблом «Blue Note» в 1970 году, перед тем, как эта рекорд-компания временно перестала работать. В 1981 году он создал собственный, недолго просуществовавший лейбл «Silveto».

Многие социальные и культурные потрясения конца 60-х — начала 70-х нашли своё отражение в музыкальном творчестве Сильвера. Он ответил на них тремя своими записями «United States of Mind» (1970—1972), где в качестве вокалиста принимал участие Энди Би. Композитор углубился и в космическую философию, когда его группа «Silver ‘N Strings» записала «Silver ‘N Strings Play The Music of the Spheres» (1979).

• Horace Silver Trio (Blue Note, 1952/1953)
• Horace Silver and the Jazz Messengers (Blue Note, 1955)
• Silver’s Blue (Columbia, 1956)
• Six Pieces of Silver (Blue Note, 1956)
• The Stylings of Silver (Blue Note, 1957)
• Further Explorations by The Horace Silver Quintet (Blue Note, 1958)
• Finger Poppin’ with The Horace Silver Quintet (Blue Note, 1959)
• Blowin’ the Blues Away (Blue Note, 1959)
• Horace-Scope (Blue Note, 1960)
• Doin’ the Thing, The Horace Silver Quintet at The Village Gate (Blue Note, 1961)
• The Tokyo Blues (Blue Note, 1962)
• Silver’s Serenade (Blue Note, 1963)
• Song for My Father (Blue Note, 1964)
• The Cape Verdean Blues (Blue Note, 1965)
• The Jody Grind (Blue Note, 1966)
• Serenade to a Soul Sister (Blue Note, 1968)
• You Gotta Take A Little Love (Blue Note, 1969)
• The United States of Mind Phase I : That Healin’ Feelin’ (Blue Note, 1970)
• The United States of Mind Phase II : Total Response (Blue Note, 1971)
• The United States of Mind Phase III : All (Blue Note, 1972)
• In Pursuit of the 27th Man (Blue Note, 1972)
• Silver ‘N Brass (Blue Note, 1975)
• Silver ‘N Wood (Blue Note, 1976)
• Silver ‘N Voices (Blue Note, 1977)
• Silver ‘N Percussion (Blue Note, 1978)
• Silver ‘N Strings Play The Music Of The Spheres (Blue Note, 1979)
• Guides To Growing Up (Silveto, 1981)
• Spiritualizing The Senses (Silveto, 1983)
• There’s No Need To Struggle (Silveto, 1984)
• Continuity Of Spirit (Silveto, 1985)
• Music To Ease Your Disease (Silveto, 1988)
• Rockin’ With Rachmaninoff (Bop City, 1991)
• It’s Gotta Be Funky (Columbia, 1993)
• Pencil Packin’ Papa (Columbia, 1994)
• The Hardbop Grandpop (Impulse!, 1996)
• A Prescription for the Blues (Impulse!, 1997)
• Jazz Has a Sense of Humor (Verve, 1999)

— Сейчас все больше рок-команд, всемирно известных в прошлом, начинают воссоединяться и кататься по миру с гастролями, записывать диски, и, причем, по популярности эти ветераны ничуть не уступают современным коллективам. Как вы считаете, это может быть связано с нехваткой новых талантов?

— Отличный вопрос. На самом деле я считаю, что легендарные коллективы 70-х годов прошлого века, так же, к примеру, как и моя группа Deep Purple или те же Led Zeppelin, Pink Floyd, The Who, The Rolling Stones — это уже классика, и она вне времени. Думаю, что нынешние молодые артисты пытаются поймать этот дух, пытаться подражать этим группам, и у них это не получается в нужном ключе. Но публика-то хочет слышать что-то настоящее. А команды вроде Led Zeppelin или Deep Purple, да и я сам тоже — мы все в полной мере восстановившие свои силы, полны энергии, и, я думаю, мы все в хорошей форме. Группы 70-х — это уже иконы, в то время как современные — нет. Потому к ним и отношение разное.

— Выходит, что хард-рок будет актуален всегда, а другим жанрам музыки не гарантируется такая же долговечность?

— Я хочу привести вам такой пример: в поп-музыке всего мира, не важно, будь то русская, американская или британская музыка, каждый год появляется новый исполнитель. Один-два диска, один-два хита, и он пропадает. Тем временем, у вышеупомянутых хард-рок-команд карьеры длиной в сорок лет, и порой они продолжаются. Плюс не стоит забывать, какими были Штаты в 60—70-е годы с ее Вудстоком, фестивалями «Калифорния Джем», «Монтерей Поп» — все это отлично способствовало развитию рока и останется с нами навсегда. Так же, как и хард-рок.

— А что происходит с публикой? На ваши концерты приходят все те же старые фанаты или начинают приходить и молодые слушатели?

— Во всём мире моя аудитория — это люди, возраст которых в среднем 22—23 года. Для меня это идеально, ведь моя музыка довольно современна, и она вовсе не навеяна прошлым. Она фанковая, и на моих концертах можно обнаружить даже больше девушек, чем парней. И мне всегда очень приятно видеть на концерте танцующих девушек. Я действительно полностью принадлежу фанк-жанру, я живу этим. Даже когда я начал играть в Deep Purple, я привнес в музыку команды фанковый дух. И я весьма рад тому, что люди это ценят, им это нравится. Я не собираюсь конкурировать с другими рок-музыкантами, так как я в гораздо большей степени фанк-рок-музыкант, вот мой жанр. Вообще, мне бы хотелось быть разносторонним, я не хотел бы быть обычным рок-исполнителем и постоянно играть только хард-рок. Я хочу сделать что-то совершенно иное, хочу постоянно изменяться, развиваться, расти и сохранять свежесть.

— Когда вы будете выступать в Санкт-Петербурге, ваши бывшие коллеги из Deep Purple будут в Москве, а когда же вы будете в столице России, они поедут выступать в Санкт-Петербург. Что вы думаете о таком интересном совпадении?

— Это хорошо, что слушателям не придется выбирать, на чей же концерт им пойти, мой или концерт Deep Purple. Могу сказать, в этом турне я исполняю довольно много песен моего периода в Deep Purple — те самые треки, которые русская публика хочет услышать: «Stormbringer», «Mistreated», «This Time Around», «You Keep On Moving». Я буду играть песни Deep Purple только в России во время этого гастрольного тура. Если же вы окажетесь на моём концерте в США, Азии или Европе, то вы услышите только новые песни, с моих новых альбомов. Но так как в этой стране мои концерты все еще привлекают старых фанатов группы, я исполняю для них и песни периодов Марк-3, Марк-4 Deep Purple. В другой раз, по приезду к вам, я уже буду исполнять гораздо больше новых треков, я очень-очень горжусь своей последней пластинкой. Так что мой призыв к русским слушателям прозвучал бы так: пришло уже время прийти и посмотреть на Гленна Хьюза.

— Имеется ли какая-то разница между вашими поклонниками в России и в других странах?

— Я заметил, что с каждым моим приездом к вам, моя аудитория все молодеет. Не знаю, может быть, это вырастающие дети моих старых поклонников. Или может, мои новые видеоклипы и мое творчество создают мне имидж более молодого артиста. Это фантастика — по всему миру видеть на своих концертах слушателей, которым едва исполнилось двадцать лет. Я думаю, мои российские поклонники ничем не отличаются от американских. Единственное, что сильно бросается в глаза, — это по-советски агрессивные секьюрити. Я боюсь, что русская молодежь не может по-настоящему насладиться моим выступлением, потому что на них постоянно давят, не дают им расслабиться. Ведь я прошу их подняться с мест, снять одежду и веселиться, а в России это сложно из-за такой службы безопасности. Я всегда пытаюсь объяснить им, что они должны позволить людям получить максимальное удовольствие. А вместо этого каждый вечер я вижу, как людей бьют, толкают, грубо выкидывают из зала.

— А какие сейчас у вас отношения с бывшими коллегами из Deep Purple?

— Отличные! Я общаюсь, в общем-то, со всеми. Но только с одним из них у меня действительно супердружба — с Дэвидом Ковердейлом. Он, как и я, живет на западном побережье Америки. И мы часто видимся, болтаем о том, о сём.

— Вы начали свой творческий путь в эпоху, когда еще не было ни компакт-дисков, ни Интернета, ни всяких MP3-плееров. Как вы чувствуете себя сейчас, в эпоху цифровой музыки, скачивания из интернета, развития социальных сетей, интернет-радио и прочих новшеств?

— Мне это очень нравится. Мне вроде бы уже за пятьдесят лет, но я чувствую себя двадцатилетним. Я не хочу выглядеть молодящимся стариком, но я чувствую новый мир и знаю, что происходит вокруг. Что касается скачивания музыки с Интернета и подобного — с этим нельзя, да и бесполезно бороться, я просто присоединился к этому процессу. Пусть все будет свободным: пусть люди смотрят ролики на Ютубе, пусть качают музыку, это же отличное промо, это действительно так. Индустрия звукозаписи сейчас переживает кризис. Продажи альбомов за последние пять лет упали на 70 процентов, и теперь нет таких массивных хитов, как во времена Майкла Джексона. Всемирная Сеть наступает. И в сложившейся ситуации мы должны использовать Интернет в полную силу, в том числе и для самопродвижения. У меня целая команда людей, которые работают для меня в Интернете и рассказывают мне, что там происходит. Мне нравится быть в теме, потому что если ты не следишь за положением вещей, есть шанс вообще выпасть из общей картины. Да, я и сам веду блог, и стараюсь очень тщательно отслеживать все происходящее вокруг.

— На ваш взгляд, за последние годы, в связи с появлением всевозможных «Фабрик звезд» и прочих шоу, которые вдруг могут сделать звездой любого, изменилась ли музыкальная культура в мире?

— Я думаю, эти шоу интересно посмотреть в России, в Америке или где бы то ни было. Какое-то время это интересно, но черз какое-то время становится скучно. Потому что серьёзных талантов там нет. Мы все хотим еще одного Элвиса Пресли, нового Джона Леннона. Но этого не происходит. Не появляется ни новой Ареты Франклин, ни ещё одного Стиви Уандера. Все эти кумиры из семидесятых, включая Стиви Уандера, Элтона Джона и многих ещё, — этого больше нет, это вымирающая порода. Вы думаете, хип-хоп-музыка заполнит эту пустоту? Да, это действительно очень сильная культура, и она удовлетворяет запросы молодежи, и русской в том числе. Но продлится ли это 50 лет? Я не думаю…

Родился 21.08.1952, в местечке Кэнок, графства Стаффордшир, Англия.
Ещё в середине 1960-х годов он собрал команду «Finders Keepers», где пел и играл на бас-гитаре. По прошествию некоторого времени коллектив превратился в фанк-рок команду «Trapeze». В 1973 году он становится бас-гитаристом «Deep Purple«, вместо покинувшего коллектив по воле Блэкмора Роджера Гловера. В «Deep Purple» Гленн Хьюз выступал до самого распада группы в 1976 г., приняв участие в записи 3 студийных альбомов. Он хорошо сдружился с пришедшим в группу Томми Болином и даже принял участие в записи его сольной пластинки, но, при этом, рассорился с остальными участниками. В конце 1976 г. Гленн возвращается обратно в «Trapeze«, но вскоре вновь уходит. В 1977 г. он выпускает свой первый сольный диск «Play me out». В 1982 вместе с Пэтом Трэлом (бывшим гитаристом Пэта Трэверса) выпускает пластинку «Hughes/Thrall».

Также в 80-х годах Гленн работает в качестве бас-гитариста и вокалиста с различными музыкантами и исполнителями, такими как Gary Moore («Run For Cover»), Phenomena («Dream Runner»), Black Sabbath. Он принимал участие в записи альбома Тони Айомми «Seventh Star», который из-за давления со стороны записывающей компании, требовавшей ещё одного альбома Black Sabbath, был выпущен под заглавием «Black Sabbath feauturing Tommi Iommi». Сам Гленн Хьюз говорил, что не был участником Black Sabbath, а состоял в сольном проекте Айомми.

Примерно в этот период времени у Гленна Хьюза начинаются серьёзные проблемы со здоровьем из-за злоупотребления алкоголем и приёма наркотиков. Он даже не смог завершить гастроли в поддержку «Seventh Star». По этой же причине вторая половина 80-х годов была для артиста практически непродуктивна, и он был вынужден пройти курс лечения.

По всему этому поводу многим позже, презентуя свою автобиографию, артист скажет вот что «Моя автобиография будет серьёзным событием в мире литературы. Я работал над ней в течение последних трех лет, вы никогда ранее не читали ничего подобного. Это реальная история Голоса Рока, начиная с детских лет, в которой я расскажу о своих годах в Trapeze и Deep Purple, своей наркотической зависимости и исцелении от нее. Сейчас я на вершине музыкального мира как соло-артист, и после стольких лет трезвости я с трудом верю, что прошел через все это и остался жив. Я потратил на кокаин миллион долларов, и когда вы прочтете эту книгу, вы и сами не сможете поверить, что такое возможно…»

В итоге, к активной музыкальной деятельности он возвращается лишь в 1991 году, вновь начав выступать с группой «Trapeze«, принимая участие в записи сингла «America — What Time Is Love?» и снимаясь в одноимённом клипе английского эйсид-хаус-дуэта «The KLF». Также принимает участие в записи диска Джона Норума (бывшего гитариста группы Europe) «Face The Truth». Хьюз также экспериментировал в студии с Джеффом Даунсом — клавишником команды «Asia» .

В 1992 году выходит вторая сольная работа Гленна Хьюза — «Blues». Помимо этой пластинки, в 90-е годы выходит ещё целый ряд его сольных работ: «From now on» (1994), «Burning Japan Live» (1994), «Feel» (1995), «Addiction» (1997), «The Way It Is» (1999).

В 1993 году состоялся первый приезд и выступление Гленна Хьюза в России на фестивале в Санкт-Петербурге.

В 1999 году Гленн Хьюз организовал серию концертов, посвящённых Томми Болину, в которых также принимал участие брат Болина — Джонни, игравший на ударных.

В 2000-х Хьюз продолжает активно творить, выпуская по пластинке в год: «Return to Crystal Karma» (2000), «Building The Machine» (2001), «HTP», «Live In Tokyo», «HTP2» (последние 3 в составе «Hughes-Turner Project», группы созданной Гленном с Джо Лин Тёрнером в 2001-м году), Songs in the Key of Rock (2003), Soulfully Live in the City of Angels (2004), Soul Mover (2005; в создании альбома участвовал барабанщик «Red Hot Chili Peppers» Чад Смит), Freak Flag Flyin’ (2005), Music For The Divine (2006), «First Underground Nuclear Kitchen» (2008)

Попутно с сольным творчеством Гленн также работает с другими музыкантами и артистами, играя в качестве приглашённого музыканта.

В октябре 2008 г. прошёл гастрольный тур с концертами Хьюза по городам России.

В январе 2010 года на вебсайте рекорд-лэйбла «Roadrunner Records» появилась информация о создании нового проекта с участием Гленна Хьюза, барабанщика Джейсона Бонэма и гитариста-виртуоза Джо Бонамассы. Новая группа Бонэма, Хьюза и Бонамассы получила название Black Country Communion. Остаётся лишь ждать новых шедевров от трёх музыкальных гениев.

«Trapeze»:
Trapeze (1970)
Medusa (1970)
You Are the Music…We’re Just the Band (1972)
Live In Texas — Dead Armadillos (1981)
Welcome to the Real World (live 1992) (1993)
High Flyers: The Best of Trapeze (best of 1970—1976) (1996)
On the Highwire (2003) (best of 1970—1994)

«Deep Purple»:
Burn (1974)
Stormbringer (1974)
Made in Europe (1975)
Come Taste the Band (1975)
Last Concert in Japan (1976)
Live in London (1982)
Singles A’s & B’s (1993)
On the Wings of a Russian Foxbat: Live in California 1976 (1995)
California Jamming: Live 1974 (1996)
Mk. III: the Final Concerts (1996)
Days May Come and Days May Go, the California Rehearsals, June 1975 (2000)
1420 Beachwood Drive, the California Rehearsals, Part 2 (2000)
This Time Around: Live in Tokyo (2001)
Listen Learn Read On (2002)
Just Might Take Your Life (2003)
Perks And Tit (2004)
Live in Paris 1975 (2004)
Burn 30th Anniversary Edition (2004)
Live in California 74 (DVD) (2005)
Live in London (2007) (remastered)

Tony Iommi:
Black Sabbath featuring Tony Iommi — Seventh Star (1986)
Tony Iommi with Glenn Hughes — The 1996 DEP Sessions (2004)
Tony Iommi with Glenn Hughes — Fused (2005)

«Hughes-Turner Project»:
Hughes Turner Project — HTP (2002)
Hughes Turner Project — Live in Tokyo (2002)
Hughes Turner Project — HTP 2 (2003)

Сольная карьера:
Play Me Out (1977)
L.A. Blues Authority Volume II: Glenn Hughes — Blues (1992)
From Now On… (1994)
Burning Japan Live (1994)
Feel (1995)
Addiction (1996)
Greatest Hits: The Voice of Rock (1996) (сборник)
Talk About It EP (1997) (неизданный ранее материал)
The God of Voice: Best of Glenn Hughes (1998) (сборник)
The Way It Is (1999)
From the Archives Volume I — Incense & Peaches (2000)
Return of Crystal Karma (2000)
A Soulful Christmas (2000)
Building the Machine (2001)
Different Stages — The Best of Glenn Hughes (2002)
Songs in the Key of Rock (2003)
Soulfully Live in the City of Angels (2004)
Soul Mover (2005)
Freak Flag Flyin’ (2005)
Music For The Divine (2006)
This Time Around (2007) (сборник)
Live in Australia (2007) — DVD
First Underground Nuclear Kitchen (2008, май)

Другое:
Roger Glover and Guests — The Butterfly Ball and the Grasshopper’s Feast (1974)
Jon Lord — Windows (1974)
Tommy Bolin — Teaser (1975)
Various Artists — The Wizard’s Convention (1976)
Pat Travers — Makin’ Magic (1977)
4 On The Floor — same (1979)
Climax Blues Band — Lucky for Some (1981)
Hughes/Thrall — Hughes/Thrall (1982)
Night Ranger — Midnight Madness (1983)
Heaven — Where Angels Fear to Tread (1983)
Phenomena — Phenomena (1985)
Gary Moore — Run for Cover (1985)
Various Artists — Dragnet (Music from the Motion Picture Soundtrack) (1987)
Phenomena II — Dream Runner (1987)
Whitesnake — Slip of the Tongue (1989)
XYZ — XYZ (1989)
Notorious — Notorious (1990)
Various Artists — Music from and Inspired by the Film Highlander II: The Quickening (1990)
L.A. Blues Authority (1991)
Lynch Mob — Lynch Mob (1992)
John Norum — Face the Truth (1992)
Geoff Downes/The New Dance Orchestra — Vox Humana (European version) (1993)
Sister Whiskey — Liquor and Poker (1993)
Marc Bonilla — American Matador (1993)
George Lynch — Sacred Groove (1993)
Stevie Salas — Stevie Salas Presents: The Electric Pow Wow (1993)
Mötley Crüe — Mötley Crüe (1994)
Manfred Ehlert’s Amen — same (1994)
Various Artists — Smoke on the Water: A Tribute (1994)
L.A. Blues Authority Volume V — Cream of the Crop: A Tribute (1994)
Hank Davison & Friends — Real Live (1995)
Brazen Abbot — Live and Learn (1995)
Wet Paint — Shhh..! (1995)
Richie Kotzen — Wave of Emotion (1996)
Liesegang — No Strings Attached (1996)
Asia — Archiva Vol. 1 (1996)
Various Artists — To Cry You a Song: A Collection of Tull Tales (1996)
Various Artists — Dragon Attack: A Tribute to Queen (1996)
Amen — Aguilar (1996)
Glenn Hughes/Geoff Downes — The Work Tapes (1998)
Glenn Hughes, Johnnie Bolin & Friends — Tommy Bolin: 1997 Tribute (1998)
Stuart Smith — Heaven and Earth (1998)
Various Artists — Humanary Stew: A Tribute to Alice Cooper (1999)
Various Artists — Encores, Legends & Paradox: A Tribute to the Music of ELP (1999)
The Bobaloos — The Bobaloos (1999)
Niacin — Deep (1999)
Erik Norlander — Into the Sunset (2000)
Tidewater Grain — Here on the Outside (2000)
Voodoo Hill — Voodoo Hill (2000)
Craig Erickson Project — Shine (2000)
Nikolo Kotzev — Nostradamus (2001)
Max Magagni — Twister (2001)
Various Artists — Stone Cold Queen: A Tribute (2001)
Various Artists — Another Hair of the Dog — A Tribute to Nazareth (2001)
Various Artists — Let the Tribute Do the Talking — A Tribute to Aerosmith (2001)
Ape Quartet — Please Where Do We Live? (2001)
Voices of Classic Rock — Voices for America (2001)
Ellis — Ellis Three (E-III) (2001)
The Alchemist — Songs from the Westside (2002)
An All Star Lineup Performing the Songs of Pink Floyd — same (2002)
Ryo Okumoto — Coming Through (2002)
Jeff Scott Soto — Prism (2002)
Various Artists — Influences & Connections, Volume 1, Mr.Big (2003)
Chris Catena — Freak Out! (2003)
Rata Blanca/Glenn Hughes Vivo (2003)
Aina — Days of Rising Doom (2003)
Voodoo Hill — Wild Seed of Mother Earth (2004)
Michael Men Project — Made in Moscow (2005)
Phenomena — Psychofantasy (2006)
Moonstone Project — Time to Take a Stand (2006)
The Lizards — Against All Odds (2006)
Quiet Riot — Rehab (2006)
Hughes/Thrall — Hughes/Thrall (remastered) (2007)
Кен Хенсли — Blood on the Highway (2007)
Robin George/Glenn Hughes — Sweet Revenge (2007, запись 1990)

Jimmy Nolen в списке великих фанк-гитаристов по праву должен быть первым. В 1965 году он, по рекомендации Eldee Williams присоединился к группе Джеймса Брауна. В те годы он уже начинал открывать новое звучание фанк-гитары в R&B музыке. Так же, как и тромбонист Фрэд Уэсли (Fred Wesley), саксофонист Мэйсео Паркер (Maceo Parker) и барабанщик Clyde Strubblefield, Джимми Ноулэн был основой новой команды Брауна. Он играл в этом коллективе с 1965 по 1970 год, до того момента, пока финансовые проблемы команды Брауна не развалили группу.
Именно Ноулэн впервые начал использовать в игре ритма технику глушения струн. «Chicken scratch» — так называемое «куриное царапанье». Суть техники в том, чтобы заполнить паузы в ритмическом рисунке партии гитары звучанием приглушенных струн. Сам звук не имеет никакой гармонической нагрузки, но, при этом, помогает легко поддержать ритм композиции, а при должном исполнении даже сильнее раскачать грув. Для поддержания гармонии используются кластеры аккордов увеличенных, доминант септаккордов(7) и нонаккордов(9), в основном кластеры состоят из двух или трехнотных форм. Иногда римтический рисунок мог полностью состоять из «chicken scratch» 16-ми нотами.

Джимми Ноулэн (Jimmy Nolen) в основном работал с hollow body гитарами, в его арсенале были такие инструменты как «Gibson ES-175″ и «ES-5″, укомплектованные сингловыми датчиками от «Gibson P-90″. В качестве усилителя он использовал «Fender Twin Reverb» с приподнятыми близко к максимуму высокими частотами. В итоге он получал звук, который можно описать как что-то среднее между звучанием бас-гитары и рабочего барабана или хай-хета. Собственно, именно эти инструменты Ноулэн и пытался имитировать на гитаре, что у него вполне успешно получалось.
Так что Джимми Ноулэн рекомендуется к прослушиванию всем любителям фанка, как и всё творчество группы Джеймса Брауна.

Эл МакКей (Al McKay)

Стив Крупер (Steve Cropper)

Phelps «Catfish» Collins. Говоря о фанке нельзя не рассказать о братьях Collins, Bootsy и Phelps Collins. В 1968 году они собрали коллектив «The Pacemakers«, к которому позднее присоединился сам James Brown, в результате чего название изменилось на «The James Brown band«. Они активно гастролировали с Джеймсом Брауном порядка трех лет, а затем покинули бэнд в 1971-м и присоединились к команде «Funkadelic» в 1972-м году. Младший брат Phelps Bootsy собрал свою группу «Bootsy Rubber Band«, к которой присоединился и «Catfish«.
На своих ранних работах Phelps Collins играл на гитаре «Vox Ultrasonic» со встроенными эффектами.
Слушать игру «Catfish» Collins стоит в составе «Funkadelic«, эта группа кроме всего прочего считается одной из самх ярких фанк групп Америки.

Роб Харрис (Rob Harris)

«Если бы Бэтти пела сегодня, она была бы кем-то вроде Мадонны, кем то вроде Принса, только как женщина. Она была раньше их всех, когда она пела, как Бетти Дэвис.» ~ Miles Davis с труппой Quincy Troupe. («Miles: Автобиография».)

Бывшая жена легенды джаз-музыки Майлза Дэвиса — Бэтти Дэвис Мабри, пожалуй, единственная женщина мира, которая может с полным правом сделать на своих ягодицах тату: «Эта задница изобрела фьюжн».
И, хотя их брак длился всего один год (1968-1969 гг), влияние этой девушки на творчество бессмертного джазового трубача было огромным. Её передовой музыкальный вкус и уникальный неповторимый стиль, несмотря на всё сопротивление, невероятно мощно повлияли на Майлза.

Самодовольная 23-летняя модель Бэтти покорила человека вдвое старше себя взрывной смесью молодости, красоты и дикой сексуальности. Всего за какой-то год она полностью переделала Майлза под стильный молодежный имидж. Она наполнила его, стиль его игры заметно помолодел, а мировоззрение обновилось. Она разгромила его шкафы с одеждой, выкинув из них все те элегантные костюмы, что он одевал долгие годы. Это конец 60-х, революционность и бунтарство витают в воздухе, а костюмы — это символ Истэблишмента. Пришло время получить творческий пинок, и Бэтти указала это направление, представив Майлзу материализовавшихся богов новой бунтарской музыки: Джимми Хендрикса (Jimi Hendrix) и Слая Стоуна (Sly Stone).

За тот бурный год их совместной жизни, под влиянием Бэтти, Майлз поменял не только стиль в одежде. Под глубочайшими впечатлениеми от космического гитарного рока Хендрикса и экспериментального фанка Слая Стоуна, Майлс вдруг обернулся сумасшедшим гением и оживил электрифицированного музыкального Франкенштейна, известного, как Bitches Brew. Этого монстра он создал в печальном буйстве, ему казалось что он потерял свою душу, когда они расстались. Есть даже слухи о неизданном альбоме песен, которые Бэтти вместе с Майлзом и его группой записали вместе.

Бэтти Дэвис представляла из себя живой огонь, и пока Майлз переносил искры. Он понимал лучше, чем кто либо, что слишком долго оставаться близко невозможно.
В своей автобиографии он писал: «Бэтти была слишком молода и дика. Что я ожидал от женщины? … Бэтти была свободна духом, она похотлива и все такое дерьмо». По слухам, Майлз Дэвис разошелся с ней изза подозрений, что жена запуталась в бурном романе с самим Джимми Хендриксом. Этот факт сама Бетти категорически отрицает и по сей день.

Возможно, всё было бы куда лучше, если бы история на этом закончилась, но всё сложилось иначе. Песни Бэтти, свидетельствуют, что она не была трагической женщиной, привязанной к кому либо. Это была женщина с силой черной пантеры, женщина с тотальным контролем хищных кошачьих, которая в полной мере осознает, что сила её красоты и сексуальности, даёт ей мощную власть над мужчинами.
В своем одноименном дебютном альбоме 1973 года, она объявляет войну любви в своем похотливом шедевре фанк-музыки — «Anti Love Song». В резких пассажах, судя по всему, направленых в сторону бывшего мужа, она поет:

«Нет, я не хочу любить тебя,
Потому, что я знаю, какой ты
Конечно, ты говоришь, что ты прав и всегда прав
Но со мной рядом твоя правота заканчивается,
Потому что ты знаешь, — я владею желанием твоего тела
Ты знаешь, я могу заставить тебя ползать,
И так же тяжело, как я влюбляюсь в тебя, мальчик
Ты знаешь, что вляпался в меня сильнее,
Вот почему я не хочу тебя любить.»

Таким образом ее «антилюбовная песня» (Anti Love Song) является чуть ли не классическим гимном плохой девушки. Другие песни с этой же пластинки, такие как, к примеру, «Если мне везет, я могу взять то что хочу» (If I’m In Luck I Might Get Picked Up), так же укрепили её ставший популярным образ дрянной девчонки. К сожалению, для Бэтти, Америка того времени оказалась ещё не готова принять женщину с таким откровенно сексуальным образом.
Её яркий образ слишком возмутительно затмил ее талант. Некоторые из ее концертов были опротестованы различными религиозными группами и даже были отменены. Радио старалось избегать её нетрадиционной музыки, оправдываясь, что это слишком тяжёлая и неформатная стилистика для черных станций, и, в то же время, слишком «чёрная музыка» для белых. Её записи не продавались.
Путь пионеров в музыке всегда тяжел, но Бэтти Мабри Дэвис сумела изменить мир музыки раз и навсегда.

В течение 1960-ых и 1970-х годов Фред Уэсли был основным членом группы Джеймса Брауна, участвуя в записи множества хитовых записей тех годов, включая, например «Say it Loud — I’m Black and I’m Proud«, «Mother Popcorn«, а также и в написании музыки некоторых песен, например «Hot Pants».
Его извилистые рифы, пронзительные и яркие соло, вкупе с игрой саксофониста Мэйсео Паркера придавали музыке Брауна, ту самую живую инструментальную энергию.
В 1970-х он выполняет функции лидера коллектива и музыкального директора группа Брауна «J.B.’s» и выполняет очень большую часть организационной работы в группе. Его имя было указано как ‘Fred Wesley & the J.B.’s‘ в записи «Doing It to Death» — альбома, который был продан количеством свыше миллиона копий, и был награждён золотым диском R.I.A.A. в июле 1973 года.

В 1975 году Фред Уэсли покидает группу Брауна и проводит несколько лет играя в проектах Джорджа Клинтона «Parliament» и «Funkadelic«, даже записывая пару альбомов как лидер сторонней группы «The Horny Horns«.

В 1978 году Уэсли присоединяется к джазовому коллективу «Count Basie Orchestra». В 1988 году он выпускает свой первый джазовый альбом «To Someone» как лидер коллектива. После него вышел альбом «New Friends» в 1990-м году, затем «Comme Ci Comme Ca» в 1991, живой концертный альбом «Swing and Be Funky», и «Amalgamation» в 1994 году.

В начале 1990-ых, Фред Уэсли гастролировал со своими коллегами по группе Джеймса Брауна — Pee Wee Ellis и Мэйсео Паркером, под именем «JB Horns«. С уходом Эллиса группа становится «The Maceo Parker Band«. Фред Уэсли продолжал работать с Паркером до 1996 года, до времени, когда он сформировал свою собственную группу — «The Fred Wesley Group«.

За свою 35-летнюю карьеру Уэсли успел поиграть и поработать аранжировщиком с широким кругом разных артистов, такими как, например, Рэй Чарльз (Ray Charles), Ван Моррисон (Van Morrison), The SOS Band, Лайонел Хэмптон (Lionel Hampton), Ванесса Уильямс (Vanessa Williams), Рэнди Кроуфорд (Randy Crawford), Cameo и рэпперами «De La Soul», и множеством других. Также, очень многие исполнители сэмплировали его работы.

В 2002 году музыкант написал «Hit Me, Fred: Recollections of a Sideman» (ISBN 0-8223-2909-3) — автобиографию о своей жизни, как оркестрового музыканта. В этом же году он записывает альбом «Cuda Wuda Shuda» с группой джазовых музыкантов, называвших себя «Fred Wesley Band«.

С 2004 по 2006 год Уэсли работает помощником профессора в отделе Jazz Studies Школы Музыки Университета Северной Каролины в Гринсборо. В настоящее время он гастролирует как участник объединения названное «Abraham Inc.» с музыкантом клезмером David Krakauer и клезмером-хип-хоппером Socalled.

Напоследок видеозапись соло от гениального музыканта Фреда Уэсли:

Самой популярной пластинкой артиста является классический soul-альбом «Hot Buttered Soul». На этом альбоме он отвернулся от традиционной структуры альбома из 3-минутных треков; на альбоме их всего 4 — 2 из них это кавер-версии традиционных поп-песен и два оригинальных трека. Треки длятся от пяти до восемнадцати минут, что действительно необычно.
Ещё одним громким успехом Айзека Хейза стал саундтрек к кинофильму «Шафт», за которую он получил «Оскара» и «Грэмми». Кроме этого, пластинка ещё и достигла первого места в трёх пунктах рейтинга «Billboard».

Самой известной актёрской работой музыканта стало озвучивание им персонажа Шефа в анимационном сериале «Южный парк» (South Pakr). Айзек участвовал проекте с самого начала — с первой серии «Картман и анальный зонд» (1997), однако позже ушёл из сериала после серии «Застрявший в чулане» (2005), в которой высмеивалась сайентология — Айзек Хейз сам был сайентологом и прокомментировал свой уход словами о том, что создатели мультсериала перестали быть толерантными.

В 2002 году Айзек Хейз был включён в Зал славы рок-н-ролла.
В начале 2006 года музыкант пережил первый инсульт.
10 августа 2008 года родственники нашли его без сознания возле дома; вскоре певец был доставлен в больницу, где спустя час зафиксировали факт смерти. Причиной смерти также был назван инсульт.

У музыкант осталось двенадцать детей, четырнадцать внуков и три правнука. На своей четвёртой жене Адйове он женился 10 апреля 2006 года. Один из сыновей музыканта носит его имя — это Айзек Хейз-третий, известный музыкальный продюсер.